Per amore dell'arte...

Nel 1902, Mahler sposò Alma Schindler, di diciannove anni più giovane di lui, figlia di un noto pittore e anche lei musicista (fu allieva di Zemlinsky, ma il marito le impose di abbandonare la musica); donna affascinante, considerata al tempo tra le più belle di tutta Vienna, dal forte carattere, intellettuale e colta, portò nella vita del compositore brio, vitalità e due figlie che il padre adorò sempre teneramente (ne perse una nel 1907). Facendo seguito ad un'ampia serie di tradimenti, che indussero Mahler ad avere un lungo colloquio di ben quattro ore con Sigmund Freud, rimasta vedova, Alma si risposò prima con l'architetto Gropius, poi con lo scrittore Werfel, ma ebbe "sodalizi" anche con il pittore Kokoschka e con altri artisti. Scrisse nel 1939 un libro di ricordi sulla sua vita con Mahler, che contiene al suo interno anche diverse interessanti lettere.

Il MUSA, tesoro dell'Accademia

Aperto al pubblico il 17 febbraio 2008, il MUSA, Museo degli Strumenti Musicali dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia, rappresenta il cuore, lo scrigno prezioso di tutto il grandioso progetto architettonico del Parco della Musica di Renzo Piano. Composto da un'affascinante e suggestiva galleria espositiva, un laboratorio di liuteria e lo spazio forum, il Museo accompagna il visitatore nella conoscenza dei pezzi più preziosi e significativi della collezione, disposti in gruppi dalle forme e dalle caratteristiche costruttive simili. Fiore all'occhiello della raccolta è il "Toscano", splendido violino costruito da Stradivari nel 1690, oltre alla viola di David Tecchler del 1743. Istituito nel 1895 dall'allora Regia Accademia di Santa Cecilia, si è arricchito negli anni di numerosi e rari esemplari, arrivando oggi a costituire un'importante rappresentazione multiculturale della musica sia colta che popolare. Inoltre, il MUSA è uno spazio vivo, con i liutai all'opera nel loro laboratorio alla fine della galleria espositiva, con gli incontri e le lezioni-concerto regolarmente tenute nello spazio forum, con le mostre che vengono periodicamente realizzate al suo interno e con una serie di attività per bambini e ragazzi, oltre che visite guidate per tutti, che rendono il Museo occasione di approfondimento non solo degli strumenti musicali in quanto preziosi oggetti, ma soprattutto simboli di arte, vita e cultura nel senso più completo del termine. Aperto tutti i giorni, tranne il mercoledì, dalle ore 11.00 alle 18.00. Ingresso gratuito. MUSA . Museo degli Strumenti Musicali Auditorium Parco della Musica Largo Luciano Berio 3 00196 Roma tel. 06 80242.382 - 332 museo@santacecilia.it

Il nostro laboratorio

Noteinviaggio sta organizzando, a partire dal mese di Aprile, un ciclo di seminari di ascolto musicale per rendere l’arte dei suoni motivo di benessere interiore, nello splendido scenario della Sabina e dell’Abbazia di Farfa. L’iniziativa si propone di coniugare il tradizionale momento di relax e benessere che accompagna i soggiorni “agrituristici” alla dimensione fortemente emotiva dell’esperienza musicale, vissuta come momento d’ascolto, ma anche di scoperta del potente effetto che la musica ha sulle nostre percezioni. Il potere rilassante, distensivo, ma anche energetico e stimolante dei suoni è ormai universalmente noto e riconosciuto, nonché impiegato per scopi terapeutici e medici. Ogni seminario approfondirà un particolare periodo della storia della musica, a partire dal barocco fino al tardo Ottocento, focalizzando non solo gli aspetti musicologici (con brevi contestualizzazioni storiche, guide all’ascolto ed esempi dal vivo al pianoforte), ma anche le potenzialità emozionali che le composizioni esaminate sprigionano sul nostro campo percettivo, interagendo con lo stato emotivo del singolo individuo. Gli incontri, tenuti dalla dott.ssa Gaia Vazzoler, Musicologa dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, si svolgeranno il sabato e la domenica presso la tenuta “Il mercato vecchio di Farfa”, antico casale completamente ristrutturato, in un salone con pianoforte a coda, con vista panoramica sulla vallata e la suggestiva Abbazia. Una piacevole occasione per scoprire, o riscoprire, che “la musica ha potere”, agisce sul nostro benessere e migliora la nostra vita.

"La Musique de Paris": diario di viaggio

Riccardo Muti è sempre una garanzia di qualità e grande spettacolo. Giovedì 26febbraio il Teatro degli Champs Elisées di Parigi era gremito di un pubblico ansioso di assistere all'esecuzione della Sinfonia Fantastica di Berlioz seguita da Lélio, ou le retour a la vie, monodramma dello stesso autore per voce recitante e orchestra, interpretato da Gerard Depardieu, grande amico del Maestro. Il primo tempo è stato grandioso, trascinante, assolutamente all'altezza delle aspettative; il Lélio si è rivelato di maggior interesse musicologico (è pochissimo eseguito e raramente in questa collocazione, subito dopo la Fantastica, come prescritto da Berlioz stesso)piuttosto che interpretativo, anche se l'orchestra, il suo direttore e i solisti sono stati eccellenti. Proprio Depardieu, che ci si aspettava pirotecnico ed istrionico in questo ruolo, in realtà è rimasto un pò sottotono, quasi lettore, più che attore, sebbene non siano mancati momenti ispirati e convincenti. Sabato sera, invece, all'Opéra Bastille, è andato in scena il Werther di Massenet, diretto da Kent Nagano, che, a causa dell'improvviso forfait del tenore del momento, Rolando Villazon, è stato interpretato da Ludovic Tézier, baritono che in circostanze normali avrebbe eseguito la parte di Albert anzichè del protagonista. Il cantante ha messo tutto il suo impegno e coraggio per affrontare la prova e si può dire che ne sia uscito a testa alta, dato che le mancanze di potenza e di acuti sono dovute alla naturale estensione del suo registro vocale; buona anche l'interpretazione scenica, solo un pò forzata all'estremo momento finale. Straordinarie le protagoniste femminili: Susan Graham (Charlotte) e Adriana Kucerova (Sophie), che hanno regalato momenti di vera poesia e intensità. Il viaggio ha dato modo inoltre di visitare luoghi di assoluto interesse musicale, rare occasioni per scoprire aspetti meno noti dell'universo dell'arte dei suoni: la casa di Debussy e quella di Ravel nell'Ile de France (soprattutto la seconda, piccolo capolavoro che contiene ancora al suo interno tutti i preziosissimi arredi decorati ed il pianoforte Erard originale del compositore), la spettacolare Opéra Garnier, edificio sfarzoso e ricco di significati simbolici, oltre che la visita al Museo dell'Orangérie, che accanto alla celebre serie delle Ninfee di Monet (davvero emozionanti), presenta al pubblico una ricchissima collezione privata di capolavori da Renoir a Cezanne, da Matisse a Picasso, incantando il visitatore. Un viaggio che ha fatto sognare, respirando arte e musica in ogni dove, circondati dal fascino della Ville Lumière, ammiccante e incantatrice.

Anton Bruckner, ovvero...l'apparenza inganna.

Che la musica riesca ad esprimere e a sublimare l'animo umano è ormai dato certo e fuor di dubbio, ma in alcuni casi essa rappresenta la sola chiave di manifestazione interiore ed emotiva cui l'individuo ricorre ed in cui si libera profondamente. E' il caso di Bruckner, musicista tedesco, vissuto dal 1824 al 1896, personalità contradditoria ed interessante. Il grande paradosso consiste proprio nella profonda discrepanza tra il suo aspetto, il suo semplice vivere e pensare, il suo provinciale senso delle piccole cose e l'imponenza sbaloriditiva delle sue sinfonie, dilatate nelle dimensioni, nell'organico, nella durata, poemi incandescenti innalzati alla gloria di Dio dalle mani di un uomo mite e solitario. "Sgraziato nell'incedere ondeggiante come nell'abbigliamento (per i pantaloni troppo larghi e lunghi, grosse scarpe, gli abbondanti e colorati fazzoletti che sempre gli sporgono dalle tasche), paesano nell'aspetto (la testa da "imperatore romano", secondo il discepolo Kienzl, dotata d'un naso imperioso, di fronte volitiva, di occhi azzurri e un pò spersi e infossati, di bocca stretta, amara e come sdegnosa: testa posata su un collo taurino, ben libero su colletti larghissimi non contenuti dal voluminoso nodo della cravatta) e pressochè contadino per i modi bruschi e talvolta grossolani, questo artista pieno di fantasticherie, ma pressochè incolto quanto a letture, quest'uomo introverso che non sa vedere e accettare la realtà del mondo, si trasforma totalmente e si sublima quando compone." (Sergio Martinotti, Bruckner). E infatti mai si immaginerebbe un tale ritratto dietro all'ascolto dei capolavori sinfonici e sacri che il musicista ci ha lasciato. Pagine poderose, di forza sorprendente, che non solo hanno il merito storico di collegare certi aspetti di Wagner alla successiva opera sinfonica mahleriana, ma che rappresentano un imprescindibile punto di riferimento del mondo sinfonico austro-tedesco di fine ottocento. I movimenti delle sinfonie di Bruckner tendono al grandioso, all'imponente, coniugando temi di forza e piglio quasi guerriero, militaresco, a momenti soavissimi e lirici, profondamente imbevuti del suo credo spirituale, che anima e muove ogni sua nota. Canti di lode al divino, alla vita e alla natura, le opere di Anton Bruckner testimoniano che davvero la musica arriva laddove la parola si ferma, il gesto non coglie e... l'apparenza inganna. Ascoltare per credere.

Colori per Tchaikovsky

(Michail Vrubel', Lilacs 1900) Soprendenti, affascinanti, perfino inaspettate le relazioni e le corrispondenze che a volte vengono a crearsi tra le diverse arti. Osservando l'opera pittorica di Michail Vrubel', pittore (1856-1911) che segna il passaggio dal realismo al simbolismo in Russia, si sono sovrapposte alle immagini artistiche le note, gli andamenti, le atmosfere musicali tipiche di quella sensibilità tutta particolare e tormentata propria di Tchaikovsky, simbolo delle vena nostalgica prettamente russa unita ad un modo di intendere la musica cosmopolita e filo-occidentale. Entrambi gli artisti hanno costruito la propria formazione senza prescindere dalle esperienze mitteleuropee; entrambi hanno vissuto momenti di tragedia e dramma profondo (Tchaikovsky, come si sa, non riuscì e non potè mai trovare un equilibrio con la propria omosessualità, arrivando sull'orlo del suicidio più volte, e Vrubel' perse l'unico figlio, impazzì e divenne cieco); entrambi hanno espresso nelle proprie opere il disagio nei confronti della realtà ed il personale soccombere ad un destino crudele e avverso. E allora ecco nei soggetti di Vrubel' personaggi mitologici, esoterici, surreali che si colorano di tinte oniriche, in particolare il celebre viola di Vrubel' che tanto affascinò Picasso, ed il colore assume un aspetto quasi materico, spezzettando la composizione in cristalli,in squame cromatiche, che conferiscono volume e rigidità allo stesso tempo e preannunciano un cubismo ante-litteram davvero insospettabile. Parimenti, nelle opere di Tchaikovsky, le sonorità, la scelta timbrica, le idee melodiche sembrano volersi sollevare da terra, lasciare questo mondo nemico e ingiusto per librarsi in atmosfere delicatissime e liriche, ma, amaramente, ogni tentativo si risolve in una caduta, in un fallimento, fino all'immancabile crollo finale, un lento spegnersi di chi ha perduto ogni forza e velleità di combattere. E' la Patetica, la sesta Sinfonia di Tchaikovsky, testamento spirituale lasciatoci dal musicista, morto poche settimane dopo averla diretta, a riassumere in sè tutti gli elementi della tormentata poetica del compositore, l'ultima sconfitta di un uomo debole e provato dalla vita che sa raggiungere vertici di emotività e afflato lirico non comuni e trascinanti, che ancora oggi commuovono ogni pubblico. Abbinare questo ascolto ai quadri di Vrubel' può costituire un esperienza singolare di sincretismo artistico, di identità di vedute e di medesime finalità poetiche, paradossalmente inconsapevoli l'una dell'altra.

Per un nuovo ascolto di Franz Schubert

A chi ancora sottovaluta la produzione sinfonica schubertiana, proponiamo l'ascolto della Nona Sinfonia in do maggiore D944, detta "La Grande". Soverchiate dalla mole delle composizioni per voce e pianoforte (oltre 600 Lieder in circa 17 anni), le Sinfonie di Schubert sono rimaste per anni dimenticate o comunque poco considerate non solo all'interno della sua opera completa, ma più in generale nell'ambito della storia della musica e del genere sinfonico in particolare. In effetti, accingersi a scrivere una Sinfonia dopo i capolavori beethoveniani era arduo, non tanto per il tentativo di superarli, quanto per riuscire a prescindere da essi, a non emularli, a non cadere nel solco dello stile del maestro di Bonn. Se è vero che le prime Sinfonie di Schubert sono ancora espressioni giovanili di uno spirito artistico in divenire, l'Ottava (la celeberima "Incompiuta") e la Nona riescono non solo a dare piena espressione allo stile maturo del compositore, ma soprattutto a prescindere, a trovare una via nuova rispetto ai modelli di Beethoven. L'estetica musicale schubertiana non soggiace alla logica dello scontro di idee contrastanti, dalla cui dialettica deflagrano gli sviluppi tematici, ma produce un fluire sonoro in cui da un'idea melodica ne scaturisce un'altra, in uno scorrere onirico e vago, tendente quasi a sviluppi infiniti, che venne definito da Schumann "celestiale lunghezza". Senza mai abbandonare la vena lirica e cantabile tipica di Schubert, il tempo musicale sembra dilatarsi, schiudersi a innumerevoli paesaggi sonori, in cui trovano posto anche gli andamenti più vivaci ed energici, alternati ad abissi di sconforto, desolazione e mestissima dolcezza, ma tutto nell'ambito di una magica evocazione che conduce direttamente all'espressione del sentimento più personale del compositore. Al posto dei messaggi universali beethoveniani, abbiamo qui la confessione di un uomo, del nuovo uomo romantico, lo schiudersi della sua poetica, della sua sensibilità, della sua anima. E allora ecco che il primo movimento, "Andante - Allegro ma non troppo", alterna vaste e solenni riflessioni a temi vigorosi, dal ritmo puntato e baldanzoso, a momenti lirici e ricchi di chiaroscuri, per poi, nel secondo tempo ("Andante con moto") incarnare sinfonicamente l'immagine del viandante, reso nel suo errare incerto e vago da mutevoli umori musicali, a tratti malinconici e perduti, a tratti più vitali ed impetuosi. Lo "Scherzo", imbevuto di caratteri popolareschi e briosi, conduce all'ultimo tempo, "Finale: Allegro vivace", dalla grandiosa impostazione in forma-sonata, attraversato da una trascinante tensione dinamica, da slanci vigorosi e da impeti visionari che mai prescindono dal respiro lirico e dall'afflato melodico che hanno fatto di Schubert il primo dei grandi romantici.

La Musique de Paris

In occasione del viaggio "La Musique de Paris" in programma dal 26 febbraio al 1 marzo 2009, Noteinviaggio ha organizzato un incontro introduttivo che si terrà venerdì 6 febbraio - alle ore 18.00 c/o Libreria L'Argonauta (via Reggio Emilia 89, Roma - ingresso libero)

Qualche anticipazione ...

L'atmosfera culturale della città di Parigi al passaggio di secolo tra Otto e Novecento è di assoluto fermento e vivacità. La capitale francese rappresenta il fulcro della festa, della moda, della vita e dell'arte ed il suo fascino rimane irresistibile ed imperituro. Teatro della nuova "bella vita" sono i viali della città, i boulevards illuminati la sera dai caratteristici lampioni ad arco, dove la classe borghese fa sfoggio della propria conquistata rispettabilità sociale ed economica in abito scuro e cappello a cilindro. I caffè si moltiplicano e diventano luoghi di ritrovo di artisti, letterati e musicisti che si scambiano pensieri, idee, opinioni e che nel tardo pomeriggio si raccolgono nei salotti della buona società per fare musica e poesia, intorno ad un pianoforte a coda, tra ventagli e garofani all'occhiello. I teatri di Parigi sono ancora la più grande attrazione della città, proponendo un cartellone quanto mai vario, attuale e al passo con i tempi, pur non dimenticando i trionfali successi del grande repertorio. Vengono istituite Società di Concerti che si occupano dell'organizzazione delle serate musicali, stimolando il rinnovamento artistico e la sperimentazione. E soprattutto la capitale francese è in questo periodo il centro mondiale della pittura. La straordinaria stagione impressionista diventa imprescindibile punto di riferimento per chiunque voglia confrontarsi con l'arte del colore e del pennello. Ma la vera e più soprendente coincidenza è il convergere di ideali artistici tra musica, pittura e letteratura, al punto che i protagonisti della vita culturale parigina sono tra loro amici e confidenti, trasmettendosi l'un l'altro impressioni, suggerimenti, evocazioni, suggestioni.

In questo clima opereranno musicisti quali Chabrier, Massenet, Fauré, fino a Debussy, Ravel e Satie, tutti imbevuti del tipico gusto musicale francese, fatto di raffinatezza, di meditate scelte timbriche, di sottili trasparenze sonore, di linee melodiche soavi e liriche, di ritmi caratterizzanti e vicini al nuovo amore per l'esotico, che imperversava a Parigi in quel periodo.Ciascuno di essi, con la propria sensibilità ed il proprio personalissimo modo di intendere l'arte dei suoni, andrà a costituire una preziosa tessera del multiforme e colorato mosaico musicale francese, in cui comporre significa affascinare, evocare, suggerire, incantare, tra le note fascinose e suadenti della Belle Epoque.

... E per chi volesse continuare a lasciarsi sedurre dall'incanto, l'appuntamento è in libreria il 6 febbraio.

Musica di fuoco

"La musica deve far sprizzare il fuoco dallo spirito degli uomini".

Questo diceva Ludwig van Beethoven e la sua musica è testimonianza continua di tale proposito. La somma grandezza e genialità del maestro di Bonn arrivano a trascendere le forme e le sintassi tradizionali del suo tempo per esprimere questo bisogno non solo nella forma sinfonica, che forse più di tutte le altre si presta a questo ideale di grandiosità e vigore musicale, ma anche nel trattamento del pianoforte solo, che viene esplorato nelle sue più impensabili possibilità sonore ed espressive, seguendo passo dopo passo le migliorie tecniche e meccaniche apportate allo strumento ancora in divenire. Andare oltre il limite, dire altro, dire di più, con più forza e con più mezzi. Melodie di accordi, eloquenti silenzi e sospensioni, vibranti contrasti e dialettiche tematiche che, come scintille, lasciano divampare fuochi di sviluppi ed energie musicali sconosciute prima. Ma la vera sorpresa è nei Quartetti. Basta ascoltare il primo movimento dell'op. 59 n.3 ("Razumovskij") per rendersi immediatamente conto della modernità assoluta: Introduzione (Andante con moto) mesta, pensosa, in cui le dissonanze e i lunghi suoni tenuti caricano di significato la linea melodica, quasi incerta, esitante, un evidente richiamo al celebre "Quartetto delle dissonanze" di Mozart (K465), che ugualmente si apre in un clima sospeso ed erratico. Ancor più nel secondo movimento, Andante con moto, quasi Allegretto: un sorprendente contrappunto in pizzicato del violoncello compendia l'appassionato e lirico canto dei violini e della viola, producendo un contrasto affascinante e foriero di sviluppi imprevedibili. La chiusura con un prodigioso Rondò-Sonata, dalle evidenti velleità orchestrali, che fonde caratteri popolari e saguigni ad una velocità notevolissima e a tecnicismo virtuosistico al limite delle possibilità esecutive, ancora una volta mira al superamento, alla trascendenza, alla grandiosità.

Lo stesso fuoco che ardeva nell'animo di Beethoven, che bruciava per la progressiva perdita dell'udito e al tempo stesso per la consapevolezza del proprio genio e della propria gioia di vivere, di comporre, di fare musica, si propaga tra le note dei suoi capolavori e giunge fino a noi.